Φ

Ya hemos comentado en clase la importancia del número Φ y de la sección áurea en la creación artística.

El arquitecto suizo Le Corbusier ideo un sistema de medición basado en las proporciones del cuerpo humano y la proporción áurea, que bautizó como Modulor:


Una aplicación práctica a la arquitectura de este sistema puede observarse en una vivienda unifamiliar construida en La Plata (Argentina), la Casa curutchet.

La utilización de la proporción áurea no se limita a la arquitectura. Durante la historia de la pintura occidental, sobre todo a partir del Renacimiento, son innumerables los ejemplos de composición basada en la proporción áurea, como en este cuadro de Seurat, baño en Asnières:

La cabeza del personaje principal está situada en la sección áurea de las medidas horizontal y vertical del cuadro.


Por último, señalar un curioso ejemplo de la proporción áurea aplicada a la música. En el primer movimiento de su Música para Cuerda, Percusión y Celesta, el compositor húngaro Béla Bartók, uno de los compositores más importantes del siglo XX, utiliza la serie de Fibonacci y la proporción áurea para estructurar la composición, no sólo temporalmente, sino también armónicamente:


Os dejo un vídeo donde podéis escucharlo. La aparición de Φ es muy clara, pues justamente en el compás 55 (34+21), de los 89 (55+34) de los que consta la obra, se alcanza el clímax sonoro. Si miráis la barra de progresión del video veréis que ese momento el indicador de posición se encuentra justo donde estaría la sección áurea de la barra completa:

Tanto la percusión como la celesta también comienzan su intervención en las secciones áureas de la primera parte y de la segunda parte respectivamente, como se puede ver en el gráfico de la obra más arriba.

Como curiosidad, el movimiento más famoso de esta obra es el tercero, que fue utilizada en una famosa película de terror, El Resplandor: (lo que hacen los timbales se llama glissando y realmente pone los pelos de punta...)

Francis Bacon - Exposición en el Museo Nacional del Prado

Hasta el día 19 de Abril, podéis disfrutar de una exposición retrospectiva sobre el pintor irlandés del S XX Francis Bacon.
Es interesante no sólo por la magnífica obra expuesta, una muestra bastante completa de su evolución como artista, sino por el hecho de que sea en el museo del Prado, ya que es la primera vez que abre sus salas a un pintor contemporáneo.




Francis Bacon nació en Dublín en 1909 y murió en Madrid en 1992. Su obra puede calificarse como figuración expresionista y se caracteriza por un interés central, que es la figura humana, aunque la representa distorsionada y convulsa, incluso, en algunas ocasiones, como si fueran simples trozos de carne:



Bacon estaba muy interesado en la obra de algunos pintores expañoles, como Picasso, Goya o, sobre todo, Velázquez. Su obra más conocida es la interpretación de un cuadro de este último, el retrato del Papa Inocencio X. Os dejo aquí el original de Velázquez y la versión de Bacon. Sería interesante reflexionar sobre las diferencias entre uno y otro... Y más interesante aún sobre las similitudes.

Velázquez:


Bacon:

Mondrian

Hace unos días aprendimos a realizar paralelas y perpendiculares a través de distintos métodos, y os comenté que había un artista, Piet Mondrian, que realizaba sus cuadros sólo con líneas paralelas y perpendiculares entre sí, utilizando sólamente el negro, el rojo, el azul y el amarillo.

¿Por qué pintaba así? Bien, es parte de un largo proceso que se puede ejemplificar con las siguientes imágenes.

Mondrian comenzó pintando en estilo "figurativo", es decir, las cosas que pintaba eran reconocibles. El siguiente cuadro, árbol rojo, es un buen ejemplo:



Mondrian quería, como ocurría con todo el arte de su época, llegar un poquito más lejos de la simple representación. Por eso fue "analizando" la realidad. La siguiente imagen, árbol gris, es un paso más en ese análisis:




Poco a poco, se fue dando cuenta de que los objetos de la realidad podían reducirse, en su representación, a meras líneas. La siguiente imagen es un cuadro llamado "composición con árboles II", y en él es difícil distinguir ningún árbol. Todo son líneas:



Con este último cuadro Mondrian había alcanzado la abstracción, pero, en su búsqueda de una pureza mayor, decidió prescindir de todos los elementos que podían ser prescindibles y quedarse sólo con lo verdaderamente esencial de una imagen, que para él era: líneas horizontales, líneas verticales y los colores básicos (rojo, amarillo y azul). Por estos cuadros, totalmente abstractos, llego a ser muy famoso, siendo uno de los pintores más influyentes del siglo XX. Las siguientes imágenes son cuadros de esa época.




Como sabéis, este tipo de "diseño" de líneas negras, colores llamativos y espacios en blanco se ha utilizado hasta la saciedad en numerosos contextos. Sin ir más lejos, tenéis dos ejemplos en dos fachadas en Quintanar de la Orden.

Por último, mencionar a Theo van Doesburg, que realizaba pinturas muy similares a las de Mondrian, pero permitiéndose utilizar diseños en diagonal, como se ve en el siguiente cuadro, composición V:



Sólo me queda recordar que teneís pendiente la entrega de un trabajo sobre paralelas y perpendiculares al estilo Mondrian/van Doesburg, con técnica libre sobre formato DIN A3.